In cinema, the choice of lenses is a powerful tool for building a unique visual style. Lenses aren’t just about capturing technically perfect images; they profoundly influence visual storytelling, giving a film its distinctive character. Choosing the right lenses allows for playing with space perception, isolating subjects, and manipulating light to define a scene’s atmosphere and emotions.
In my work, I’ve experimented with different focal lengths to achieve specific effects. Using wide-angle lenses has been essential in some scenes to convey a sense of vastness or emphasize the distance between characters and the background. In one of my productions, I chose a 24mm lens to slightly distort the frame’s edges, creating a sense of alienation and solitude for the protagonist. This technique was inspired by directors like Terrence Malick, who uses wide-angle lenses to create sweeping, evocative visuals.
When I wanted to focus on a character’s raw emotion, I opted for a telephoto lens like the 85mm, isolating the subject and compressing the perspective. This allowed me to draw attention to facial details, enhancing the emotional intensity and eliminating distractions. This choice is often seen in dramatic films, where emotional intensity is central, such as in the works of Darren Aronofsky.
Depth of field is another crucial factor in building a visual style. Long focal lenses combined with a wide aperture, like f/1.4, can produce stunning bokeh, with soft, out-of-focus backgrounds that highlight the main subject. In my projects, I used this effect in night scenes, where background lights turned into soft, blurred orbs, creating an intimate, dreamlike atmosphere. Modern lenses like the Zeiss Master Primes or the ARRI Signature Primes are designed to provide natural color rendering and exceptional performance even at wide apertures.
Using anamorphic lenses plays a particularly important role in defining a visual style. Anamorphic lenses, with their characteristic horizontal flares and ultra-wide aspect ratio (2.39:1), are chosen for their cinematic look. In a recent project, I used an anamorphic lens to expand the field of view and achieve distinctive flares, which added an artistic tone to the scene. These flares, combined with the slight distortion typical of anamorphics, gave the scene an epic, larger-than-life feel.
In recent years, we’ve seen a resurgence in the use of vintage lenses, appreciated for their unique character. Lenses like the Cooke Panchro and Zeiss Super Speeds offer chromatic aberrations and imperfections that give a nostalgic, organic look. I used a vintage lens in one of my projects to achieve a 1970s aesthetic, where the slight optical flaws made the image feel more “alive.” In an era where digital perfection is easily achievable, using vintage lenses represents an artistic choice to bring authenticity and uniqueness to visuals.
The popularity of vintage lenses lies in their ability to evoke emotions through “imperfect” images, a trend reflecting the desire for a less uniform visual style. Many modern productions, despite using advanced technologies, choose these lenses to achieve a retro look or add personality to stories set in past eras.
In conclusion, lens choice is both a technical and artistic process that allows for defining a project’s visual identity. Modern lenses like the ARRI Signature Primes offer incredible precision and sharpness, but vintage lenses, with their imperfections, are making a comeback for their evocative power. In my work, I’ve always sought to integrate lens aesthetics with the narrative needs, using every aspect of visual rendering to enhance emotions and storytelling.
Le Lenti Cinematografiche: Definire Uno Stile Visivo
Nel cinema, la scelta delle lenti è uno strumento fondamentale per costruire uno stile visivo unico. Le lenti non servono solo a catturare immagini tecnicamente perfette, ma influiscono profondamente sulla narrazione visiva, conferendo al film un carattere distintivo. La selezione delle lenti permette di giocare con la percezione dello spazio, l’isolamento dei soggetti e la resa della luce, definendo l’atmosfera e le emozioni di una scena.
Nel mio lavoro, ho sperimentato diverse lunghezze focali per ottenere effetti specifici. L’utilizzo di lenti grandangolari è stato essenziale in alcune scene per trasmettere una sensazione di vastità o per enfatizzare la distanza tra i personaggi e lo sfondo. In una delle mie produzioni, ho scelto una lente da 24mm per distorcere leggermente i bordi dell’inquadratura, creando un senso di alienazione e solitudine nel protagonista. Questa tecnica è ispirata all’uso di lenti simili nei lavori di registi come Terrence Malick, che utilizza grandangolari per creare immagini suggestive e ampie.
Quando volevo concentrarmi sull’emozione pura di un personaggio, ho optato per un obiettivo teleobiettivo come l’85mm, isolando il soggetto e comprimendo la prospettiva. Questo mi ha permesso di focalizzare l’attenzione sui dettagli del volto, dando risalto alle emozioni e eliminando le distrazioni. Questa scelta è spesso presente in film drammatici, dove l’intensità emotiva è centrale, come nei lavori di registi come Darren Aronofsky.
La profondità di campo è un altro fattore chiave nella costruzione dello stile visivo. Lenti a focale lunga combinate con un’apertura ampia, come f/1.4, possono creare un magnifico bokeh, con sfondi fuori fuoco che mettono in risalto il soggetto principale. Nei miei lavori, ho utilizzato questo effetto per le scene notturne, dove le luci sullo sfondo diventano punti morbidi e sfocati, creando un’atmosfera intima e suggestiva. Obiettivi moderni come i Zeiss Master Primes o gli ARRI Signature Primes sono progettati per offrire una resa cromatica naturale e una qualità eccezionale anche con aperture elevate.
L’utilizzo di obiettivi anamorfici ha una funzione particolarmente importante nella definizione dello stile visivo. Gli anamorfici, con i loro flares orizzontali e il formato ultra-wide (2.39:1), sono scelti per la loro resa cinematografica. In un progetto recente, ho utilizzato un obiettivo anamorfico per ampliare il campo visivo e ottenere un effetto distintivo nei flares, che hanno donato un tono artistico alla scena. Questi flares, combinati con la leggera distorsione tipica degli anamorfici, hanno conferito alla scena un’atmosfera epica.
Negli ultimi anni, abbiamo assistito a un ritorno all’uso di lenti vintage, apprezzate per il loro carattere unico. Obiettivi come i Cooke Panchro e i Zeiss Super Speeds offrono aberrazioni cromatiche e imperfezioni che donano un look nostalgico e organico. Ho utilizzato una lente vintage in un mio progetto per ottenere un’estetica anni ’70, dove il leggero difetto ottico ha reso l’immagine più “viva”. In un’epoca in cui la perfezione digitale è facilmente raggiungibile, l’uso di lenti vintage rappresenta una scelta artistica per conferire autenticità e unicità visiva.
La popolarità delle lenti vintage risiede nella loro capacità di evocare emozioni attraverso immagini “imperfette”, un trend che riflette la ricerca di uno stile visivo meno omogeneo. Molte produzioni moderne, pur utilizzando tecnologie avanzate, scelgono queste lenti per ottenere un sapore retrò o per aggiungere personalità a storie ambientate in epoche passate.
In conclusione, la scelta delle lenti è sia un processo tecnico che artistico, che consente di definire il carattere visivo di un progetto. Le lenti moderne come le ARRI Signature Primes offrono precisione e nitidezza incredibili, ma le lenti vintage, con le loro imperfezioni, stanno tornando in auge per il loro potere evocativo. Nei miei lavori, ho sempre cercato di integrare l’estetica delle lenti con le esigenze narrative, utilizzando ogni aspetto della resa visiva per rafforzare le emozioni e la storia.